Boccanera Gallery

Dal 26 novembre 2025 al 10 gennaio 2026 Boccanera Gallery presenta a Milano Breaking Wheel di Tura Oliveira.

L’installazione prosegue e trasforma la riflessione avviata con Wheel of Fortune, grande intervento realizzato nell’aprile 2025 al South Street Seaport di New York.

In quell’occasione, una scultura morbida di scala monumentale raffigurante una figura umana era intrecciata tra i raggi di un argano industriale di oltre quattro metri e mezzo, un tempo utilizzato per sollevare le merci lungo il porto. L’opera evocava la macchina del lavoro come luogo di sfruttamento e di tortura ciclica, richiamando le opere di Gramsci e Pasolini: la figura molle di tessuto, intrappolata nel meccanismo della ruota, appariva come un martire proletario catturato e dilaniato dall’ingranaggio del capitale.

A Milano, Oliveira riprende quel simbolo e lo rielabora. Nella nuova installazione, la ruota giace a terra, flaccida e silenziosa, mentre ganci argentati sembrano scorticare la pelle del martire, rivelando una forma embrionale tremante, viscerale, in bilico tra nascita e dissoluzione. La ruota qui si carica di una memoria storica e collettiva: la città di Milano, e in particolare Piazzale Loreto, teatro nel 1945 dell’esposizione pubblica del corpo di Benito Mussolini, diventa punto di partenza per una riflessione sulla ciclicità del potere, sulla punizione e sul rovesciamento. Solo un anno prima, nello stesso luogo, erano stati fucilati dai nazifascisti quindici partigiani.

Ispirandosi agli scritti di Antonio Gramsci e alla poesia di Pier Paolo Pasolini, Oliveira affronta l’immagine del martirio e dello scorticamento come metafora della violenza di Stato e della coscienza storica: una spoliazione estrema che al tempo stesso distrugge e rivela una fragile nuova vita. La ricerca dell’artista sugli strumenti di difesa, come i collari anti-lupo e i triboli che feriscono solo al contatto, dà forma al linguaggio visivo dell’opera. Repliche fuse di maglie di collari anti-lupo artigianali ricorrono in tutta la mostra. Questa superficie spinosa e difensiva rimanda al concetto di “inafferrabilità”, ovvero al “diritto all’opacità” di Édouard Glissant: una forma di resistenza al dominio e alla pretesa di comprensione totale dell’altro. “Afferrare contiene il movimento delle mani che stringono e riconducono l’ambiente circostante a sé, un gesto di appropriazione e chiusura.”

Sulla parete di fondo, un cianotipo su seta tinta a mano di oltre tre metri e mezzo apre una scena corale e visionaria, popolata da corpi scheletrici, satiri legati, aerei, ciminiere, prostitute, amanti e bevitori — un’immagine sospesa tra i paesaggi morali di Brueghel e la visione erotica e apocalittica della modernità di Pasolini. Quattro sculture in acciaio raffiguranti larve aliene, pendono sospese sulle pareti, ciascuna in una diversa fase di metamorfosi.

La creatura centrale dell’installazione nasce dalle riflessioni di Gramsci sugli ordini sociali emergenti e in collasso, però anche dal ricordo di un sogno ricorrente che accompagna l’artista sin dall’infanzia. In questo sogno, l’artista doveva prendersi cura di un essere fragile, tenuto nel palmo della mano, la cui pelle trasparente lascia intravedere il battito interno, destinato a crescere, mutare e lacerarsi al minimo tocco. Questo compito impossibile, prendersi cura di qualcosa sempre sull’orlo della dissoluzione, diventa per Oliveira una metafora del vivere e del creare all’interno di sistemi di dominio che distruggono e recintano. La fragilità di quella creatura e la sua ostinata volontà di sopravvivere incarnano la stessa passione disperata per l’esistenza che attraversa i film e la poesia di Pasolini:

“Mi chiederai tu, morto disadorno, d’abbandonare questa disperata passione di essere nel mondo?”

Tura Oliveira (Fall River, MA; 1990. Vive e lavora a Brooklyn) è un’artista multidisciplinare che lavora tra scultura, tessili, pittura, installazione e performance. La sua pratica utilizza tessuti recuperati, fotogrammi su seta, quilting, soft sculpture, tecniche di fusione e saldatura, per esplorare i temi del lavoro e delle strutture di potere, intrecciando immaginari legati all’orrore, al genere, alla fantascienza e all’estasi spirituale. Le sue figure aliene agiscono come corpi liminali, luoghi di possessione e frattura, capaci di rivelare la fragilità dell’ordine simbolico. Ha conseguito un MFA presso la Yale School of Art e un BFA presso la Rhode Island School of Design. Nel 2023 ha ricevuto il Dean’s Prize della Yale School of Art, una commissione d’arte pubblica dalla città di New York e la borsa di studio Abbey Awards della British School at Rome. Ha ricevuto borse di studio e sovvenzioni da NYFA, BRIC, The Museum of Arts and Designs, Wave Hill, Ars Nova, A.I.R. Gallery, Yaddo e Tides Institute.

From 26 November 2025 to 10 January 2026, Boccanera Gallery presents in Milan Breaking Wheel by Tura Oliveira.

The installation continues and transforms the reflection initiated with Wheel of Fortune, the large-scale intervention created in April 2025 at South Street Seaport in New York.

On that occasion, a monumental soft sculpture depicting a human figure was interwoven with the spokes of an industrial winch over four and a half meters high, once used to lift goods along the port. The work evoked the machinery of labor as a site of exploitation and cyclical torture, recalling the writings of Gramsci and Pasolini: the limp fabric figure, trapped within the wheel’s mechanism, appeared as a proletarian martyr captured and torn apart by the gears of capital.

In Milan, Oliveira revisits and reworks this symbol. In the new installation, the wheel lies on the ground—flaccid and silent—while silver hooks appear to flay the skin of the martyr, revealing a trembling, visceral embryonic form suspended between birth and dissolution. Here, the wheel carries a historical and collective memory: the city of Milan, and in particular Piazzale Loreto, site in 1945 of the public display of Benito Mussolini’s body, becomes the starting point for a reflection on the cyclical nature of power, punishment, and reversal. Just one year earlier, in the same location, fifteen partisans had been executed by the Nazi-Fascists.

Drawing inspiration from the writings of Antonio Gramsci and the poetry of Pier Paolo Pasolini, Oliveira approaches the image of martyrdom and flaying as a metaphor for State violence and historical consciousness: an extreme stripping-away that simultaneously destroys and reveals a fragile new life. The artist’s research into defensive instruments—such as wolf collars and caltrops that wound only upon contact—shapes the visual language of the work. Cast replicas of handmade wolf-collar links appear throughout the exhibition. This spiked, defensive surface evokes the concept of “ungraspability,” or Édouard Glissant’s “right to opacity”: a form of resistance to domination and to the claim of total comprehension of the other. “To grasp contains the movement of hands that seize and draw the surrounding environment back to oneself—a gesture of appropriation and closure.”

On the back wall, a hand-dyed silk cyanotype over three and a half meters long opens onto a choral and visionary scene, populated by skeletal bodies, bound satyrs, airplanes, smokestacks, sex workers, lovers, and drinkers—an image suspended between Brueghel’s moral landscapes and Pasolini’s erotic and apocalyptic vision of modernity. Four steel sculptures depicting alien larvae hang suspended along the walls, each in a different phase of metamorphosis.

The central creature of the installation emerges from Gramsci’s reflections on emerging and collapsing social orders, but also from the memory of a recurring dream that has accompanied the artist since childhood. In this dream, the artist was tasked with caring for a fragile being held in the palm of the hand, its transparent skin revealing the internal heartbeat, destined to grow, mutate, and tear open at the slightest touch. This impossible task—caring for something always on the verge of dissolution—becomes for Oliveira a metaphor for living and creating within systems of domination that destroy and enclose. The fragility of this creature and its stubborn will to survive embody the same desperate passion for existence that runs through Pasolini’s films and poetry:

“You will ask me, you, poor unadorned dead man,
to abandon this desperate
passion for being in the world?”

Tura Oliveira (Fall River, MA; 1990. Lives and works in Brooklyn) is a multidisciplinary artist working across sculpture, textiles, painting, installation, and performance. Their practice employs reclaimed textiles, silk photograms, quilting, soft sculpture, casting, and welding techniques to explore themes of labor and structures of power, weaving together imaginaries of horror, gender, science fiction, and spiritual ecstasy. Their alien figures act as liminal bodies—sites of possession and rupture—capable of revealing the fragility of the symbolic order. Oliveira holds an MFA from the Yale School of Art and a BFA from the Rhode Island School of Design. In 2023, they received the Dean’s Prize from Yale School of Art, a public art commission from the City of New York, and the Abbey Award from the British School at Rome. They have also been awarded grants and residencies from NYFA, BRIC, The Museum of Arts and Design, Wave Hill, Ars Nova, A.I.R. Gallery, Yaddo, and the Tides Institute.

Dates

Opening 26.11.2025
6 pm – 9 pm

27.11.2025 –
10.01.2026

Location
Boccanera Gallery Milano
Via Ventura 6
Milano

Artist
Tura Oliveira